Сегодня мы предлагаем вам вместе заглянуть в корпус искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков Пушкинского музея и обсудить весьма неоднозначного мастера рубежа столетий – Огюста Родена. Он не просто скульптор XIX – XX веков, а лицо эпохи, который одновременно ссылался на мастеров прошлого (в частности обращался к творчеству Фидию, Донателло, Лоренцо Гиберти и Микеланджело), и стал новатором, давшим толчок к развитию скульптуры XX века.
Огюст Роден, 1891
Роден ещё при жизни получил скандальную известность, а его работы, противоречивые и революционные, вызывали большой ажиотаж в кругах французской интеллигенции. Целью его творчества было возродить то истинное искусство, которое было забыто человечеством со времен античности, по-новому интерпретировать уже знакомые образы, по-другому трактовать поверхность тела, чувствовать, видеть и сопереживать. Огюст Роден получил статус скульптора-новатора, но в чем же это новаторство заключалось? Чтобы ответить на этот вопрос, необходимо обратиться к его старшим современникам. Пожалуй, одним из самых популярных скульпторов XIX века является Каррье-Беллёз — учитель Огюста, с которым они позже поссорятся. Беллёз известен своими терракотовыми и мраморными скульптурами в неоклассическом стиле.
Каррье Беллёз, "Нимфа и сатир"
В молодости Роден 3 года работал в мастерской у Беллёза и уже тогда выделялся среди других мастеров. Несмотря на то, что сам Огюст позже негативно отзывался о времени, проведенном в студии Беллёза, именно тогда сложилась собственная манера Родена – он создавал скульптуры с необычайной легкостью и, что немало важно, ему предоставлялась возможность лепить с модели обнаженное тело и драпировки. Роден, можно сказать, «набивал руку», выполняя бесчисленное количество однотипных вещей, хотя он сам и жалел о потраченном времени, однако этот период был немаловажным, потому что именно тогда стала проступать авторская техника Родена.
Заслуга Родена заключается не в том, что он отходит от одного стиля и начинает творить в другом, а в том, что именно он сделал шаг к возрождению скульптуры, истинной, такой, какой она была на протяжении нескольких тысячелетий, и какой она перестала быть в годы кризиса в XIX веке. Роден вернул скульптуре ей историческое значение в истории искусств.
Что привносит Роден? В первую очередь, он начинает по-другому относиться к человеческому телу, к человеческой природе. Для него это наивысшая красота, нет ничего правдивей, чем природа, а человек является её частью. Нет в человеке ни одной мышцы, которая не выражала бы его внутренних порывов. Всё в человеческом теле говорит о радости или о грусти, энтузиазме или отчаянии. Но чтобы истолковать язык тела, нужно терпеливо учиться. Роден пристально вглядывается в своих моделей, упиваясь красотой бьющей в них жизни.
Огюст Роден, "Бронзовый мир", 1877
Другие скульпторы обычно ставили модель на пьедестал, сами указывали позу, сами сгибали конечности, наклоняли корпус и затем приступали к работе, но в мастерской Родена модели свободно двигались и даже расхаживали, а скульптор сам улавливал движения и жесты, которые тут же претворял в жизнь с помощью глины. Пожалуй, самые его знаменитые своей реалистичностью скульптуры — это «Бронзовый век» и «Иоанн Креститель». Они ещё более живые, чем натура, они производят впечатление реальной плоти, они дышат, двигаются. Недаром Родена обвинили в использовании слепков с натурщика или трупа. Неподвижности у Родена нет даже в бюстах, которым он придавал наклон и поворот, экспрессивное направление, чтобы усилить выражение лица. В этом состоит философия скульптора: искусство не может существовать вне жизни, и эта жизнь воплощается благодаря хорошей лепке и движению.
Огюст Роден, "Иоанн Креститель", 1878
Роден ненавидел поддельность и ложь в искусстве. Но он не стремился к реалистичности в передаче анатомии тела, а стремился к истинности в передаче жизни. Он создал скульптуру «Та, которая была прекрасной Ольмьер», для которой ему позировала старая итальянка по имени Мари Кайра. Ольмьер сидит, скорчившись, рассматривая свою дряблую грудь, её руки заломаны назад, она всем телом скорбит о пошедшем времени и об увядшей физической красоте. Зрителю доступно то настроение, которое испытывает героиня, Родену удалось вызвать смотрящего на диалог со скульптурой. Соревнование между художниками, близкими друг другу и уважающими друг друга, глубоко показывает, что, помимо очевидного натурализма работы, искусство является более сложной задачей, чем природа. Эта скульптура — анатомическое исследование старческого тела и в то же время — художественный вызов, доказывающий, что морщинистая кожа, тощие конечности, дряблые мышцы не вызывают отвращения, а призывают зрителя к природе и к эмоциям восхищения красотой человеческого тела в любой из его ипостасей.
Огюст Роден, "Та, которая была прекрасной Ольмьер", 1885
Родену были подвластны любые материалы, но, пожалуй, самыми излюбленными для него остались глина и бронза. Глина служила для него материалом, с помощью которого он мог воплотить свой порыв вдохновения за считанные секунды. Он вылепливал колбаски из глины, а затем моментально создавал человеческую фигуру. Он делал всё очень быстро, разминая и накладывая куски глины друг на друга, виртуозно, буквально одним надавливанием, он создавал ноги, голову и руки. Обычно он делал 5-6 эскизов из глины, затем он терпеливо и внимательно приступал к работе над формой, выполняя её дюйм за дюймом, пока не останавливался на том варианте, какой считал наиболее удачным. Он не сделал ни одного произведения, не «нащупав» его сначала в ряде эскизов. Если речь шла о мифологических или исторических сюжетах, Роден очень много читал и размышлял над ними. Роден никогда не пренебрегал сюжетом, обращаясь к образам популярных героев, влюбленных, жертв, мифологическим персонажам. Но в то же время он не следовал сюжету слепо, он считал это проблемой всякой живописи, скульптуры и литературы. Для него первостепенной важностью было вчувствование в сюжет, характеров персонажей, проживание вместе с ними истории.
Глиняные эскизы Родена из музея Метрополитен, Нью-Йорк
Скульптор жертвовал детализацией ради лучшей передачи движения. В то же время он заботился о единстве целого, воплощая свою концепцию реализма: он передавал движение персонажа, не стилизуя его. Он постоянно был в поисках лучшего сюжета и стиля, часто даже противоречащего его простой манере. Лихорадочные объятия влюбленных, фигуры, согбённые под тяжестью страданий, пугающие, грубые, мрачные позы — всё свидетельствует о ярком воображении Родена.
Итак, главные его принципы — постоянная работа и развитие своей техники и мастерства, обращение к разным материалам и техникам. Роден и рисовал, и фотографировал, и лепил, он много наблюдал и непрерывно учился, а его главным учителем стала сам Природа. Скульптор часто изображал женщин — изучение женской натуры стало одним из его основных занятий в жизни. Он обожал женщин, потому что обожал природу, а они и были отожествлением всего природного. Он пристально наблюдал за своими моделями в студиях, но с большой терпимостью, позволяя им двигаться, переходить с места на место и даже покидать студию. Основным принципом его работы была естественность и свобода натурщика. Раскрепощенность и подвижность его моделей отразились как в рисунках Родена, так непосредственно в скульптуре. Повсюду динамичность, импрессионистическая легкость и неустойчивость движения. Это характеризует вообще все творчество Родена, в его скульптурах никогда нет монументализма и статики. Красота для него в изгибах человеческого тела и в рельефе торса.
Но важно понимать, что искусство Родена не заключалось в рабском копировании природы, а в её трактовке. Ты можешь годами изучать природу, вникать в её суть, но интерпретировать её каждый человек будет по-своему, исходя из переживаний собственной души. Медлительность, скурпулезность в познании природы, в желании сохранить простоту и отчетливость линий сделали Родена отрешенным от своей эпохи, но в то же время позволили ему выработать собственную манеру работы.
Огюст Роден, "Ева", 1881
Отдельно хочется поговорить об одной из работ мастера, копию которой мы можем увидеть в Пушкинском музее, — мраморная «Ева». Оригинальная бронзовая скульптура находится в музее Родена в Париже. Она изображает Еву в момент изгнания из Рая. Есть предположение, что Роден вдохновлялся скульптурой Микеланджело «Умирающий раб». Но поза раба больше схожа с «Бронзовым веком», по своей открытости и «развёрнутости» наружу. В «Еве» равновесие перенесено на правую ногу, левая нога согнута, и колено выдвинуто вперед — единственное, что выходит за плоскость всей фигуры. Ева закрывает лицо и грудь двумя руками так, что зритель практически их не видит. В этом жесте одновременно что-то ужасающее и что-то детское, совсем наивное, будто бы Ева пытается спрятаться за собственными руками от наказания за свой грех. Поза её скована и напряжена — ноги плотно прижаты друг к другу, руки обнимают тело так, что пальцы, соприкасаясь с поверхностью сгорбленной спины, будто бы сливаются с ней. Её поза передаёт смятение, испуг и стыд.
Для Евы позировала итальянская женщина с полными, округлыми формами тела. Роден делал множество эскизов, но каждый раз его не удовлетворял конечный вариант. Однажды его модель призналась, что беременна и больше не может позировать. Роден так и оставил работу незавершенной, хотя легкая округлость придала скульптуре красноречивое сходство с прародительницей человечества.
Поверхность тела трактована чрезвычайно реалистично — она не гладкая, а будто бы трепещущая и живая, с многочисленными выпуклостями и впадинками. Необычайно точно изображены все складки и изгибы женского тела. Однако чувствуется некоторая недоработка поверхности и эффект незаконченности. Позвоночник изображен явно не с анатомической верностью.
Работа над скульптурой Евы началась приблизительно в 1880 году. Примечательно, что обычно Роден не рисовал скульптуру до её создания, работая непосредственно со скульптурой. Большинство рисунков выполнены уже после окончания работы над скульптурой. Так обстоит дело и в случае с Евой, рисунок к ней служил иллюстрацией для журнала.
Огюст Роден, рисунок "Ева" для журнала, 1884
Рисунок 1884 года выполнен тушью и карандашом с использованием легкой штриховки так, будто образ будто бы создаётся не за счет контура, а за счет образования световых пятен, игры света и тени. Лицо Евы скрыто под густой тенью, она выступает здесь в качестве «безликого грешника», аллегорией человеческого порока, всего лишь образом, а не конкретной личностью.
Огюст Роден, рисунок
Когда он делал рисунки после своих скульптур, Роден использовал сеть из более или менее плотных штриховок, которые вырезали свет и тень способом, заимствованным из гравюры. Пятна чернил и участки, на которых он находился, такие как ярко выраженные штрихи вокруг фигуры, а также на руке и голове Евы, создают очень рембрандтскую мануфактуру. Лицо женщины скрыто в тени, тогда как свет, кажется, концентрируется на ее округлом животе. На этом рисунке Ева, безликий грешник, становится «носителем» будущего человечества.
Роден умер в 1917 году, но авторские права он завещал государству, поэтому любые отливки его скульптур подписываются его именем, хотя сам скульптор к ним отношения не имел. Даже отливка «Врат Ада» через 60 лет после его смерти считается авторской работой, хотя они были воссозданы не по его рисункам и значительно видоизменены. Так фигуры Адама и Евы, которые должны были фланкировать «Врата», вовсе исчезли из композиции. Фигуры «Трёх теней» были перемещены наверх, их руки, сплетаясь, уводят взгляд зрителя ниже, на самую крупную фигуру — Данте Алигьери в воплощении Мыслителя. Он восседает
Возвращаясь к Еве, нужно сказать, что их было выполнено много, но не все принадлежат руке Родена. Экспонирующаяся в Пушкинском музее «Ева» сделана в мастерской Родена его учеником Бурделем. Она также датируется 1881 годом, но выполнена в мраморе и по масштабам немного меньше бронзового оригинала.
Эмиль Бурдель, "Ева", 1881
Эта Ева опирается задней поверхностью ног на постамент, высеченный из того же куска мрамора. Благодаря материалу поверхность её тела кажется более мягкой и гладкой. В отличие от Роденовской скульптуры, у неё распущены волосы, они плавно стекают на плечи единой волной, добавляя фигуре пластичности. В этом произведении больше декоративного, оно бы вполне могло украшать какой-нибудь модный салон. Хотя позу Бурдель оставляет такой же, однако в скульптуре ощущается гораздо меньше экспрессии. Кажется, что перед нами всё те же испуг, смятение, раскаяние, попытка огородиться от мира, но уже не в той иступленной и живой форме, что у самого Родена. Такое ощущение возникает и из-за другого размера, и из-за использования другого материала, но самое главное из-за совершенно другой интерпретации одного и того же сюжета разными авторами.
В заключение, нужно сказать о роли Огюста Родена в мировом искусстве. Без Родена не было бы Пикассо, Лоран, Дюшан-Виллен, Анны Голубкиной, Жака Липшица и многих других известных деятелей искусства XX века. Роден был мастером своего дела, овладевший многими техниками в совершенстве. Ему были подвластны любые материалы, которые буквально оживали в его руках. Благодаря его честности он был и остаётся простым и понятным для людей, потому что по его выражению: «Искусство – прекрасный урок искренности».